Prue Lang
Un réseau translucide

MAINS D’OEUVRES

Dance is as inherently eco-friendly as the Formula 1, but for Prue Lang it is not enough. The former Forsythe Star pedaled on a bicycle in order to generate power required for her “Sustainable Dance Performance”.

Description: Consume energy, produce energy. With which goal? People want to live as long as possible. How they live is demonstrated by Prue Lang, Vanessa Le Mat and Nina Vallon in the completely wonderful “A translucent network” They run through a maze of imaginary rectangular railways and streets, in search of edibles. On the ground are macarons distributed like a chessboard. With deceptive plots, tricks and desires in angular, mechanical and even animalistic movements two women approach a macaron. Then it is swooped up. Or snatched away. Meanwhile the third woman pedals away at the generator in order to produce the sparse light.

Yet the eating produces energy and the dancing generates more energy. On their bodies, sewn into their costumes, are a series of batteries that are charged by their movements. They then provide the current of energy needed for the music in the next performance. The shrill costumes are by Amanda Parkes from New York, a designer experienced in crossing clothing with technology. Premiered in Paris, Prue Lang calculated precisely how many macarons corresponded to the energy spent in the performance. In Düsseldorf she will look for another biscuit. From local production not to use unnecessary energy. Thus please, do not go by the car to the performance!!

Assessment: Despite all constraints that they impose: the sinewy trio dance in no way into an eco-niche, but make figuratively tangible how the joys of living and everyday urban life can be brought into harmony. Kicking legs on a bicycle can in fact be splendid, not to mention their tactical dancing. “A Translucent Network” is the first creation in Lang’s Sustainable Dance Project and now gives a very strong desire for more. (Thomas Hahn)

The 2010 Adelaide Festival will host the world premiere season of Frame and Circle – a masterful new two part production from South Australia’s award winning Leigh Warren & Dancers showcasing the talents of two of Australia’s most creative contemporary choreographers, Leigh Warren and Prue Lang.

Comprising two dance works – Rubicon (choreographed by Lang) and Meridian (choreographed by Warren) Frame and Circle will be presented at the Space Theatre (Adelaide Festival Centre) from 10–14 March 2010.

The production marks a homecoming for Paris based Lang and is the first time the two award-winning choreographers have worked in a program together.

“I’ve long admired Prue’s extraordinary abilities as both a dancer and choreographer and I was thrilled when she accepted my invitation to work on this new production,” says Warren. “It’s a unique event really – in that we have both individually created our own works but they are connected by the very nature of their contrasting subject matter. We also share many philosophical understandings about dance and improvisation techniques which stem from working at different times with the legendary choreographer, William Forsythe.”

An internationally acclaimed dancer in her own right, Lang is also the creative force behind some of the most ambitious choreographic works currently being made in Europe. Born in Melbourne, Lang was invited to France in 1996 to join Compagnie L’Esquisse and later joined Forsythe’s revolutionary Frankfurt Ballet (1999–2004).

Over the past five years, Lang has created numerous critically acclaimed productions including the multi-award winning performance installation Infinite Temporal Series (2006). Inspired by the writings of author and poet, Jorge Luis Borges, the series rose from Lang’s desire to create a concise yet dense format of performance, in which the complexity of an idea is explored over many years – so each work develops its own textual, perceptual and physical form, which is subsequently embedded in the next work.

Rubicon is the latest development away from Lang’s Infinite Temporal Series. For this new work, Lang has shifted her ‘frame’ of reference from a three dimensional perspective to exploring the framework within which games – be they sporting or board games are played.

“While Prue is using the concept of the ‘frame’ for her work, my piece is all about curves, intersections, arcs and orbits,” says Warren.

Taking its name from one of the imaginary longitudinal arcs circling the globe from north to south, Meridian sees Warren explore the links between his dancers’ innate sense of balance and the symbolism of the circle as it transcends space and time.

“Geometric, philosophical and unique ‐ the circle draws an invisible thread through the years that appears to connect key events in my life,” says Warren. “The circle has a significant place in mythology; from the standing stones of Stonehenge’s ‘time cycle’ to phrases like ‘the circle of life’. In the process of creating any dance, the composition of space and time form the building blocks of choreography.”

With a production team boasting two of Australia’s leading theatrical artisans – Mary Moore (set & costume design) and Margie Medlin (lighting design), Frame and Circle promises to engage, provoke and inspire audiences in this – its highly anticipated, world premiere season.

Dancers: Leigh Warren & Dancers

Choreographers: Prue Lang and Leigh Warren

Set & Costume Design: Mary Moore

Lighting Designer: Margie Medlin

Leigh Warren and Dancers

Frame and Circle

From the outset, the staging of Rubicon draws you in. The square is Wimbledon green, with marking obscure/familiar enough to hint a game, a court, an arena, somewhere to do a structured battle.

And when the dancers come out to play they do so in the sort of languid time which allows our eyes to wander, our heads to move, following the intersections, rejections and connections that grace one then the other. In this way a landscape of interactions and their implications seeps into us.

Before long the spaces delineated become makeshift rooms where singles and couples lie as if depicting the passage of time or the give and take on the energy of life while half-serious duets and solos depict the consequences of what came before.

Throughout it, the soundtrack could not have been better chosen – the perfect mix tape to lure and lull us into the nether-world which these creatures inhabit. Bravo, Prue Lang –delightful.

In Meridian, Leigh Warren puts us into a simple white circle.

Leigh’s dancers run on, and work hard without any time seeming frenetic and out of our grasp, and the duets in the second part in particular show the sheer beauty of the choreography. Again you sit close enough to hear the footfall and breath of the piece – the extra gifts from this company and the closeness of these works.

Incredibly, the piece is occasionally lit with just one lantern – a sacred emphasis on pure form and shadow making the experience different for each one of the audience. This is an intimate space, and here we deal with intimate things – the orbits we find ourselves in, the need for touch, the end of it all.

Alexander Waite Mitchell’s score is again a highlight, the sort of atmospheric rendering that would come from the love child of Keith Jarret and Arvo Part. When it is all over, too soon, small pools of sweat remain as the only reminders of a night of beauty and meaning.

(Rob De Kok)

We live without having to know that it requires a heart, organs, a whole labyrinth of tubes and wires, a whole living equipment of retorts and filters, by which an unending exchange can take place within us, between all the types of matter and all the forms of energy –from the atom to the cell, and from the cell to the visible and tangible masses in our body. Paul Valéry, Variété V

http://www.paris-art.com/spectacle-danse-contemporaine/un-reseau-translucide/lang-prue/7545.html

L’intégration des expérimentations écologiques dans un spectacle de danse -Table ronde :

1er décembre 2011, 18H00 – 19H30 Théâtre de la Ville, Paris

The work began in 2008 and is an ever-evolving project.

Investigating human activity as a renewable source of energy and re-thinking habitual modes of theatre production, Lang creates an autonomous performance that runs 100% on its own energy. In collaboration with performers Nina Vallon and Vanessa Le Mat, and engineer-inventors Charles Goyard and Amanda Parkes, Un reseau Translucide is a work that poses the question ‘how do we make performances for the future?’ Developing a choreographic system in which the performers also generate the electricity, the work examines the relationship between the body and its environment, while opening up a dialogue on sustainable development in artistic practice.

Mains d’oeuvres, Saint-Ouen 30 September & 1 October 2011

Festival Faits d’hiver, Paris 21 & 22 January 2011

Tanzhaus NRW, Düsseldorf 29 & 30 January 2011

Co-production: Festival Faits d’hiver, Tanzhaus NRW, PLANT
Co-realisation: Mains d’Oeuvres.
Supported by Ministère de la Culture et de la Communication – DRAC Ile de France, Dicream, Adami. Created in residence at Mains d’Œuvres. Studios lent by CND and Micadanses.

Costume construction by Aaron Crosby.

Created for the MichaelDouglas Kollektiv as part of their ‘One week stand’ series, Timepiece is a response to the collective’s request to create a work in a relatively short timeframe (7days). In order to achieve this Lang chose to create a model, which encompassed autonomy and order whilst focusing on the specificities of the INSTANTANEOUS. Dividing the stage in two parts: the time taken by a particular action determined the duration and content of a simultaneously performed choreographic counteraction. Although the two events were aurally and conceptually inseparable, the spectator could visually bounce between them and follow the ever-evolving engagements that were taking place.

Wind moves horizontally, while a draft moves vertically.
If these were parameters for a game, what would be the inherent logic that could be experienced or played out? If the mind fluctuates between discovery and calculation in order to construct a pathway through a larger network, what are the consequences of invisibility? Proliferating from a specifically designed dance floor by Mary Moore, Rubicon is choreographic manifestation of a game system– one in which strategy, meandering, navigation, organisation and manipulation play inside a set of shifting coordinates.

Space Theatre – Adelaide Festival Centre, Adelaide, AUSTRALIA 2010

Co-production: Leigh Warren & Dancers, Adelaide Festival and the Adelaide Festival Centre’s Pivot(al) program

30 min
10m x 10m
4 x performers

Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt GERMANY 2007
Tanz performance köln, Cologne GERMANY 2007

Co-production : Tanz performance köln, Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt, Cercle Rouge France Supported by: NATIONALE PERFORMANCE NETZ aus Mitteln des Tanzplans Deutschland der Kulturstiftung des Bundes. With residency support from Centre National de la Danse – Paris.

The proscenium makes it inevitable: one looks at the other.
Seldom, however does such intimacy succeed in a proscenium-like construction as it does in Prue Lang’s exquisite “Infinite Temporal Series II”. The Cologne association “tanz performance köln” invited long-time Forsythe dancer-choreographer to its festival in the Alte Feuerwache, a mini-edition of the previous “DAMPF” festival.

Prue Lang wanted a moving audience: Actually, her spectators can walk, place themselves alternately in four black prosceniums which she has built around a central space with the dancers inside. But hardly anyone could have the concentration to solve this performance, in which one felt like a witness of a physical experiment, if it were not for this unbelievable sensuousness, Prue Lang succeeds despite abstraction.

By means of the escalating breath of the dancers, the warm light one senses, the quiet spatial electronic sound and the movements always gentle even in the quick passages – the performance proves an absolute security of aesthetic style, even by her restraint. In such a dramatic apocalypse, Prue Lang opposed poetic infinity –and that was certainly not a random choice (Nis)

As soon as the music rumbles in the loudspeakers, as if under water, one has the feeling of entering a completely different world and stays in this world until the end of the performance.
The spectators of Prue Lang’s innovative dance installation “Infinite Temporal Series II” in Frankfurt’s Mousonturm are not only viewer of the events, but also part of the staging – the staging of a special vision. On four sides separated from each other, they sit around a black box, looking through four large openings.

From far, each of the four rooms of viewers look like cinemas, at close range it recalls being in the middle of an aquarium in which three other sides are strung with twilight faces. One may also get up and move, the view is simultaneously the same, but not the sound. Through ones own motion, a feeling for the whole space is perceived, for the backs open up from real theatrical spaces to actual walls of the previous box. The small, warmly illuminated space has a magical effect largely due to the movement of his inhabitants.

In only a few square meters four beings float up and down, very slowly, briefly a head twitches aside or a body focal point drops. The eyes of the four dancers in blouses and trousers seem to see into another world. The Australian dancer and choreographer Prue Lang, who danced and choreographed for years with William Forsythe, created “Infinite Temporal Series I” for nine members of the Frankfurt Ballet in 2003 -an enchanting arrangement of small rooms with views throughout. In the Mousonturm now for the first time the successive piece is presented, more limited, however equally fascinating, also by its ambiguity.

Different movement speeds are scenically strung together, there is never a standstill, everything is in flux, and at the end the images and the states mix together. First, each entity is on its own, then they notice each other, seize themselves at the shoulders, finally stretch two fingers like a pistol and an opposite falls down in slow motion down and stands up again. How are these strange concretizations derived from the “dive” in the aquarium? Finally, they create stage, cinema and the poetic fantasy of other worlds, but also the crime. Or are the played murders to make the spectator attentive to their own gaze? Does a kind geologic history of aqueous birth up to the chaos perhaps even pass by? At the end the dancers and spectators disappear and the rounded chair backs look like waves. Perhaps again a new life will develop. (Melanie Suchy)

60 minutes
Site-specific
100 x performers

Turbine Hall – TATE Modern, London U.K. 2007

Production : The Tate Modern UBS Openings: The Long Weekend 2007 U.K.

20 / 20 / 20 minutes
7m x 9m
1 x performer

Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt GERMANY 2006
Context Festival - Hebbel am Ufer, Berlin GERMANY 2007

Co-production : Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt, Hebbel-am-Ufer Berlin.
Supported by : Fonds Darstellende Künste e.V., Amt für Wissenschaft und Kunst Stadt Frankfurt am Main, Hessisches Ministerium für Wissenschaft und Kunst, Istituto Italiano di Cultura Frankfurt am Main.

José Manuel Gonçalves est au moins un directeur de scène nationale qui ne se contente pas des vieilles formules d’abonnements, et d’une programmation de goût moyen uniforme. Dès que l’on pénètre dans l’enceinte de cette ancienne ferme des chocolats Poulain, on est saisi par l’atmosphère de culture vivante. On n’est pas dans le compassé, on n’est pas dans un funérarium, on est dans un lieu vivant. Cela se sent tout de suite.Temps d’image s’annonce comme un laboratoire des arts. Cela est initié par Arte et la ferme du Buisson, et cela a lieu dans huit pays d’Europe et même au Canada. Ce qui est curieux, c’est que ce n’est absolument pas l’ambiance frelatée de l’Avignon 2005. On a droit ici à des réelles recherches d’artistes qui même non abouties vous ouvrent l’appétit.
Je ne vois que 3 spectacles sur une vingtaine de propositions, puisque je ne peux être présent que cette fin d’après midi du 8 octobre:
La fleur de peau. Prue Lang, Mathieu Briand- On doit revêtir une combinaison blanche, être nu- pieds, et porter un masque. On est introduit dans une salle remplie de talc (4 tonnes). Sensation de douceur sous la plante des pieds. Les 40 personnes du public sont disposées sur les 3 côtés de la salle. Dès que l’on bouge, un léger nuage de talc s’élève au dessus du sol. Lumière violette rasante. Un couple, dont une danseuse de Forsythe, vont bouger très lentement au fond de l’arène. C’est amoureux, intime et très doux. On plane. L’imagination est à la fête. Cela ne dure qu’une demie heure. On ne voit pas tout, on devine les formes, la danseuse a la seins a l’air, mais en suis- je vraiment sûr, c’est sans importance.
L’aube d’un tortionnaire Théâtre clandestine -Une tentative de reproduire sur scène l’expérience de Stanley Milgram. (Montrer comment n’importe qui peut devenir tortionnaire à partir d’une expérience où l’on doit envoyer des décharges électriques de plus en plus forte à un individu). L’équipe est italienne. Un commentaire nous raconte qu’Eichmann était tout sauf un monstre, or il a commis des choses monstrueuses. Le spectacle commence très mollement avec de la musique techno et de la vidéo, au bout de 20 minutes, on voit enfin la fausse chambre de tortures. Malheureusement, cela n’avance toujours pas. Tentative avortée. Dommage.
Tout vu. Transquinquennal. Jan Hammenecker -Un spectacle sur la télévision, par une équipe de belges bien décapante. Le spectacle n’en est qu’à sa seconde représentation, donc il est encore trop foisonnant, mais la première demi-heure sous forme de conférence est un bonheur. Ensuite, cela traine en longueur, et à partir du moment où un jeu se fait avec 24 téléviseurs, cela devient ennuyeux comme de la télé. Mais potentiellement, il y a à attendre de cette équipe. (Jacques Livchine)

Lang chose to collaborate with French artist Mathieu Briand –renowned for his fine art in sensory perception- on this work for the Festival Temps d’Images in Paris. Inspired by Duchamp’s Infrathin they together developed a unique sensorial environment to enhance and intensify the spectator’s perception of Dance. The audience are given protective clothing suits and asked to experience the performance barefoot. On entering the performance space, feet plunge into five tonnes of talcum powder and a green laser floods and slices the space, creating an optical illusion of being immersed in water. As Kristin Swiat and Luis Rodriguez begin their duet, sound drifts through the space and the choreography becomes a crystallized skin generating waves of fine talc that float in and out of the light. The notion of Infrathin is one of focus and the spectator simultaneously resolves the dancing bodies with his/her own proprioceptive contact with the talc. The mesmerizing nexus of image, movement and sensation, brings an entirely new way of perceiving and situating oneself in contemporary dance.

30 minutes
10m x 7m
2 x performers

Festival Temps d’Images ARTE/ La ferme du buisson, Paris FRANCE 2005
Transart festival, Bolzano ITALY 2006
ARTE tracks – La fleur de peau et Prue Lang avec Mathieu Briand FRANCE 2006

Co-production : La ferme du Buisson –Scene nationale de Marne-la-Vallee / ARTE, Tanzhaus NRW Düsseldorf

6 minutes
Short film
within Frankfurt Dance Cuts

ARTE Televison FRANCE / GERMANY 2005,
Dance on camera festival, New York U.S A. 2005
Dance screen Bristol U.K. 2005
Festival Temps d’image Rome ITALY 2005
Reeldance International Dance on Screen festival, Sydney AUSTRALIA 2006
Cinedans Festival, Amsterdam HOLLAND 2006
Festival di palazzo venezia, Rome ITALY 2006

Produktion: Tag/Traum Köln, Auftragsproduktion für ZDF/ARTE

At the invitation of Klapstuk #12 Festival, Episode collaborated with Berlin laptop musician Christian Kleine to create and perform The Kleine episode. Fourty-four different smurfs were placed on the stage and acted as an interface between the dancers and the musician. Together they developed a real-time performance system in which the displacement of smurfs and their particular qualities triggered changes in light, sound and physicality, enabling them to simutaneously create and manipulate the theatrical dynamics of the space.

40 minutes
10m x 8m
4 x performers

Klapstuk #12 festival, Leuven BELGIUM 2005

Co-production : STUK Leuven, Belgium and the EPISODE collective

In collaboration with video artist Cindy Lee and performers Vanessa Le Mat, Roberta Mosca, Krisha Swiat and Mario Zambrano, Fiftyfourville is a choreographic work that questions the processes of living and connecting that inhabit the way we construct and view the world around us. Following on from Infinite Temporal Series, which was inspired by the labyrinth as a literary motif to explore narrative structures, Fiftyfourville relates the concept of the labyrinth to that of the Deleuzian rhizome. The labyrinth is defined both by the path that leads one into the centre and the path that leads one astray. In contrast to centred systems with hierarchical modes of communication and pre-established paths, the rhizome is an acentred, non-hierarchical system, devoid of formal organisation and defined solely by a circulation of states. Reflecting on the film Alphaville –Godard’s dystopian universe in which a central automaton dictates all individual orientation, Lang uses these three spatio-temporal models to investigate the production of physical language, choreographic structure and modes of perception.

56 min
10m x 10m
4 x performers

Hebbel-am-ufer (HAU 3) Berlin, GERMANY 2004
Tanzhaus NRW Düsseldorf GERMANY 2005
Künstlerhaus Mousonturm Frankfurt GERMANY 2004
Rencontres choregraphiques internationales de Seine-Saint-Denis Paris FRANCE 2005
Kalamata International Dance Festival, GREECE 2005

Supported by: STUK kunstencentrum Leuven, Fonds Darstellende Künste e.V aus den Mitteln der Beauftragten des Bundes für Kultur und Medien

Australian choreographer Prue Lang has spent nearly 10 years in Europe, the past five collaborating and performing with William Forsythe, who revolutionized ballet technique in the most shocking, contemporary ways.
Infinite Temporal series looks nothing like any Forsythe work seen in Australia during the past few years but is informed by his creative methods.  It is made with a perfectionist’s microscopic gaze, evaluating and editing the dancer’s responses to specific investigative tasks, and shaped to insinuate itself into the viewer’s mind.
The rewards in this transfixing 25-minute work, with images of bodies in a field of seemingly limitless space, are glorious, enduringly so.
The Garden of Forking Paths – a novel by Jorge Luis Borges, is the inspiration for Infinite:  Lang reflects on Borges’ notions of simultaneous temporalities, and explores dreams intersecting with consciousness and narrative form in dance.  She invited the viewer to construct a personal narrative by observing several dances simultaneously.
Crucial to Lang’s concept is her design, an arcade of five rooms, each with a large, unglazed window, through which viewers – 30 at a time, in three shows a night – are free to move, just as the dancers do. Sitting in the last room, one can see the entire vista, as if through a series of proscenia or a hall of mirrors.  The effect is of seeing multiple images filled with potential scenarios.
When all nine dancers move, each with different gestures but all at once, Tiepolo’s ceilings come to mind.  In stasis, the dancer could be Caravaggio or Vermeer portraits: quiet but loaded, seen against the furthermost wall on which ripe, persimmon-coloured light is projected, then smudged or blackened with charcoal. Holding all of this together are fragments of Borges’ text and perfectly sympathetic sonics by Deadbeat,and Ekkehard Ehlers.
Infinite is an entirely contemporary creation yet suggests older associations such as Tai Chi, in which different body parts rotate around different axes, cohering into one fluid expression. At other times the movement is lyrical, searching, but never soft; or driven, springy and even jerky, as if pulled around by elastic twanging inside the dancers’ bodies.
Clearly, this synthesis of Lang’s ideas is not just about movement; it demands much more than the dancers’ kinaesthetic intelligence and investment in the smallest detail. Lang has drawn from them all of the depths of emotion and sensitivity that are dramatically transformative.
Infinite Temporal Series is a gift to every dancer in it: Kristy Ayre, Fiona Cameron, Antony Hamilton, Paea Leach, Jo Lloyd, Ryan Lowe, Carlee Mellow, Byron Perry and Claire Peters. (Lee Christofis)

In Infinite Temporal Series expatriate Australian Prue Lang immerses the audience in an infinitely intriguing experience.  It is deliberately intimate, with the tiny audience situated in close proximity to the dancers in a series of rooms, each with a bench along one wall.  Each room has a frame in the back wall, allowing the audience to see through to the next, or look back towards the first.  Audience members are encouraged to move from one room to the next, though it can be equally satisfying to remain in one place throughout the 35-minute presentation.
At first, it feels like one of those lessons in the art of perspective, with the performers diminishing in size, becoming more remote the further they are distanced from the viewer.  A dancer stands motionless in each room. All begin slowly and simultaneously with a slow twist, drawing a languorous hand up the front of the body to reach upwards, then stepping out into a sweeping spiral.  One is caught between watching the close-up detail of the proximal dancer, or enjoying the synergy of the ensemble.
The dancers maintain a distanced focus, but we can see the tremble of muscles, the flicker of eyelashes, and hear the harsh breathing as they are pulled or projected violently by some apparently external force.  Over this, one dancer addresses his audience in a gentle treatise on being and not being.  The words appear to have no direct relationship to the action, but somehow influence our thinking.
Gradually the dancers introduce different movements so that we see contrasts in energy or direction from a single dancer, set against the synchronicity of the group.  The intricacy increases, but we have been led into it slowly, learning to enjoy the multiplicity of choices.  The serendipitous intrusions of audience members as they move from one room to another, taking up positions to look forward or backwards to see through to the front room become framed like portraits.  We see our neighbours in a new light – unwittingly becoming performers in a completely unthreatening way.
This is a profoundly satisfying work, carefully polished – not to be missed. (Hilary Crampton)

30 min
20m x 6m
9 x performers

Bockenheimer Depot /TAT, Frankfurt GERMANY 2003
Klapstuk Festival #11 Leuven BELGIUM 2003
Tanzplattform Deutschland, Düsseldorf GERMANY 2004
Pelerinages Festival Weimar GERMANY 2004
Festival Mettre-en-Scene, Rennes FRANCE 2004
Les Halles de Schaerbeek Brussels BELGIUM 2005
Chunky Move performance space, Melbourne AUSTRALIA 2005

Co-production : Ballett Frankfurt -Das TAT/ Bockenheimer depot, Kunstfest Weimar

In collaboration with performers – Ayman Harper, Charlie Hubner, David Kern, Vanessa Le Mat and Roberta Mosca -The How Episode was created after an invitation from Berlin’s CONTEXT festival whose theme in 2004 was « authorship ». Episode began the process by asking each performer to buy a fortune cookie on a specific day and noted the recollections of this event. The network of individual trajectories and experiences very quickly brought up issues of orientation, expectation, interpretation and translation, from which physical and linguistic parameters were developed for the performance system. Members of the audience were invited to set the dance in motion by responding to questions that subsequently fed into the real-time system. The translation from one language to another, from text into movement, and from movement into language, generated a stream of transforming compositions, facilitating the articulation of a collective performance system.

50 minutes
10m x 8m
8 x performers

Hebbel-am-ufer (HAU 3) Berlin GERMANY 2004

Co-production : Hebbel-am-Ufer Berlin and the EPISODE collective

5 minutes
Short film

Bockenheimer Depot/TAT, Frankfurt GERMANY 2004

Co-production : Ballett Frankfurt -Das TAT/ Bockenheimer depot Frankfurt

8 minutes (looped)
4m x 4m

Bockenheimer Depot/ Das TAT, Frankfurt GERMANY 2003
Pelerinages Festival, Weimar GERMANY 2004

Co-production : Ballett Frankfurt -Das TAT/ Bockenheimer Depot Frankfurt

The Blueprint episode was the first site-specific commission for the collective. Using a 20 metre space in the Frankfurt Neue Börse, the collective defined an imaginary architecture to which they applied rules of chance to a series of numbered spaces. The activation and function of particular spaces changed according to the previous interaction, enabling a real-time choreographic system by which the performers could produce an unforeseeable structure.

30 minutes
20m x 4m
8 x performers

Neue Börse, Frankfurt a.m. GERMANY 2003

Co-production : Frankfurter Kultur Komitee / Eurex Neue Börse Frankfurt and the EPISODE collective

Durch einen Vorhang erhält man Zutritt zu einem der fünf hintereinander liegenden Räume, die Prue Lang, Tänzerin des Frankfurte Balletts- für ihre Tanzinstallation “lnfinite Temporal Series” im Bockenheimer Depot hat bauen lassen. Durch Fenster, die auf den ersten Blick aussehen wie Spiegel und die sich perspektivisch in der Ferne verkleinern, sind sie miteinander verbunden. In jedem Raum gibt es eine Bank, auf der die Zuschauer Platz nehmen können.

Dann betritt je ein Tänzer oder eine Tänzerin einen Raum. Synchron beginnen sie zunächst, sich ganz langsam zu strecken und zu drehen, bis der erste ausbricht, um seiner eigenen Zeit zu folgen. Plötzlich tauchen immer mehr Tänzer und Tänzerinnen auf, von denen jeder seinen eigenen Zeit vorgaben zu folgen scheint. Scharf umrissen erscheinen ihre Gesichter und Oberkörper in den Fenster rahmen, als wären sie zweidimensionale Fotografien, die man hintereinander geschichtet hat. Jeder Raum wird unterschiedlich bespielt. Mal ballt sich das Geschehen ganz vorne m ersten, mal konzentriert es sich ün mittleren. Bei aller Nähe zu den Tänzern gleitet der Blick doch in die Ferne, sucht nach Mustern in der Choreographie.

Amancio Gonzales als Sprecher lebt in einem ganz anderen Raum als seine Kollegen. Als einziger darf er durch die Fenster klettern, als gälten die Grenzen für ihn nicht. Geschickt zieht Lang das Tempo an und wechselt die musikalischen Grundstimmungen. Die Zuschauer haben theoretisch die Möglichkeit, die Räume während der Vorstellung zu wechseln, um sich andere Perspektiven zu eröffnen. Nach nur knapp einer halben Stunde ist der Tanz schon wieder vorbei. Doch diesmal hätte man sich gewünscht, er dauerte länger. Denn Langs Installation birgt, gerade was Körperbilder und choreographische Möglichkeiten betrifft, noch ein weitaus größeres Potential in sich, das man in der Zukunft unbedingt ausschöpfen sollte. (Gerald Siegmund)

FRANKFURT. Es ist die labyrinthartige Erzählstruktur in den Texten von Jorge Luis Borges, die die Frankfurter Tänzerin und Choreografin Prue Lang fasziniert. Jene Verwobenheit, Komplexität, Unendlichkeit ins Theater zu übertragen, ist ihr selbst gestecktes Ziel. “Infinite Temporal Series” heißt die choreografische Installation, mit der sie jetzt diesen Versuch wagt. Die Premiere des knapp 30-minütigen Stücks war am Wochenende im Bockenheimer Depot.

Lang gehört sei 1999 zum Ensemble des Balletts Frankfurt, wo sie dem Publikum aus Stücken wie “Endless House” oder “Woolf Phrase” bekannt ist. Die neue Installation hat es in sich: Prue Lang hat für ihr Projekt fünf quadratische Räume in einer Reihe hintereinander entworfen. In jedem Raum gibt es eine Bank für die Zuschauer, deren Anzahl auf insgesamt 30 begrenzt ist. Große Fenster in den Wänden zwischen den fünf Räumen eröffnen dem Publikum einen Durchblick auf den jeweils nächsten Raum, der so wie eine Spiegelung des eigenen wirkt. In diesen Räumen bewegen sich neun Tänzer, die während der Vorstellung die Räume wechseln und sich durch die Installation bewegen. Aber auch das Publikum darf -nein, sollte – während der Aufführung den Raum wechseln, sich in den einen oder anderen setzen; je nach eigenem Gutdünken. Dabei gibt es keine Musik, lediglich Klänge und Rhythmen sowie sprachliche Elemente, zu denen sich die Tänzer bewegen.

Interessant ist die Performance in erster Linie im Hinblick auf der Frage nach der Existenz eines Werkes. Langs Arbeit ist eine der eindrucksvollsten Belege für die Negation des Werkbegriffs: Dadurch, dass jeder Zuschauer individuell Position und Blickwinkel. wechselt, entsteht das Werk erst mit der Wahrnehmung durch seinen Betrachter. Jeder im Raum nimmt die Aktionen naturgemäß unterschiedlich auf, schreibt für sich die Choreografie der Ereignisse selbst. Die Interaktion mit den Tänzern und den übrigen Zuschauern gerät dabei zum wesentlichen Gestaltungsmittel dieses ästhetischen Abgesangs. Je nachdem, an welcher Position innerhalb der fünf Räume sich der Zuschauer gerade befindet, erscheint ihm die Situation komplett anders, nimmt er Worte wahr, die andere nicht verstehen, liest er projizierte Sätze, die andere nicht sehen. “infinite Tempo Series” ist damit weit mehr als ein Projekt oder ein Versuch. Es ist ein choreografierter Beitrag zur kunstästhetischen Rezeption, der selbst die letzten Zweifler fallen lässt. (Christian Rupp)

In Prue Langs wunderbarer Einrichtung führt jemand die Zuschauer zu einer langgestreckten Raum- oder Zellenflucht: weiche Außen-, starre Trennwände in Schwarz. Die fünf drei auf vier Meter kleinen Zellen kommunizieren durch fenstergleiche Öffnungen; jede enthält eine Sitzbank und eine offene (Tanz-) Fläche. Man ist aufgefordert, nach Belieben den Aufenthaltsort zu wechseln, ohne die Performance zu stören. Auch Tänzer und Tänzerinnen fließen in wechselnder Konstellation von einer Raum-Monade in die andere, wobei sie – einen Schritt vom Betrachter -ihre poetisch weich verdrehten Zeitlupen- und schroffen Bewegungsfolgen vollführen. Sie ,spielen’ einzig sich selbst in ihrer schönen Leiblichkeit. Nur ein Akteur rezitiert vorwiegend BorgesTexte und mutiert gleichsam zur Spielfigur. Die in Reihe geschalteten Guckkästen aber, mit Guckloch an der Stirnfront des vordersten und roter Bildfläche aus verfremdeten Fotos am hintersten Raum, nehmen als asketische Tanzstätten beide auf: die Tänzer, die sich anfangs wie Spiegelbilder gerieren, um aus dem kleinsten ,Fehler’ zwischen Bild und Abbild alles Weitere zu entwickeln; und ihre Betrachter, die in Intimität selbst zu Betrachteten werden. Eine weitere “Specials”-Erleuchtung! (Marcus Hladek)

Der Blick auf benachbarte Kunstsparten ist für viele zeitgenössische Künstler selbstverständlich. Freimütig verwenden Choreographen literarische Texte in ihren Stücken, entwickeln bildende Künstler Installationen, in denen der Ton und das Hören eine wichtige Rolle spielen, arbeiten Theaterregisseure mit Videoeinspielungen, die ihren Inszenierungen einen zweiten imaginären Raum eröffnen. Jenseits vordergründiger Schaueffekte, die es oft genug zu beklagen gibt, bietet der Umweg über das benachbarte Feld auch die Chance, das Eigene mit einem fremden Blick zu betrachten. Prue Lang gehört seit 1999 zum Ensemble des Balletts Frankfurt, wo sie dem Publikum aus Stücken wie “Endless House” oder “Woolf Phrase” bekannt ist.

In Melbourne am Australien College of the Arts, wo sie studiert hat, hatte sie viele Stücke für die Bühne entwickeln müssen. Doch das allein habe sie nie zufriedengestellt. So hat sie neben ihrer Ausbildung zur Tänzerin immer wieder Ausflüge in die Welt des Films gemacht, um von dort aus auf den Tanz zu schauen. “Ich war schon immer fasziniert von der Beziehung zwischen Tänzern und Publikum. Wie kann ich diese Beziehung inszenieren, Blicke lenken und bewußtmachen? In einer traditionellen Aufführungssituation, in der man das Stück nur von vorne sieht, geht das normalerweise unter. Man spürt im Zuschauersaal den Luftzug Bewegung nicht.”

Fasziniert von Jorge Luis Borges’ Erzählungen, in denen sich verschiedene Geschichten ineinanderschachteln, hat sie sich überlegt, wie sie die labyrinthartige Struktur seiner Geschichten ins Theater übersetzen könnte. Das Resultat ist ihre Tanz,installation “infinite Temporal Series”, die das Ballett Frankfurt im März im Bockenheimer Depot präsentiert. Wer sich durchs Labyrinth bewegt, muß viele Umwege in Kauf nehmen, um ans Ziel zu kommen. Als Bewegung innerhalb einer festen Form gilt das Labyrinth, von dem schon Homer in der “llias” berichtet, es sei der erste Tanzplatz im Palast von Knossos gewesen, als Sinnbild für den Tanz schlechthin.

Vor diesem Hintergrund hat Prue Lang fünf Räume in einer Reihe entworfen. In jedem Raum gibt es eine Bank für die Zuschauer, deren Anzahl pro Durchgang auf 30 begrenzt ist. Kleine, sich perspektivisch verjüngende Fenster eröffnen dem Publikum einen Durchblick auf den nächsten Raum, der so wie eine Spiegelung des eigenen Raums wirkt. Neun Tänzer, die während der Vorstellung die Räume wechseln können, bewegen sich durch die Installation, an deren Ende ein Diaprojektor Bilder der Tänzer an die Wand wirft. Daß auch das Publikum umhergehen kann, um sich seinen Blickwinkel frei zu wählen, ist Prue Lang wichtig. “Jeder Zuschauer soll sich sein eigenes Zeitfenster bauen, durch das er auf die Performance blickt”, erzählt sie. Jeder der Tänzer habe seine eigene Zeitstruktur, die aus einer anfänglichen Improvisation heraus entwickelt wurde. An bestimmten Punkten gehe dann jeder einen anderen Weg durch das Labyrinth.

Ausgangspunkt für die Bewegungsfindung seien Träume der Tänzer gewesen, die sie aufgeriffen hätten. “Im Traum herrscht eine andere Zeit. Dinge erscheinen in einer anderen Chronologie, überlagern oder verschieben sich. Dem wollten wir in den Bewegungen ein Stück weit nachgehen.” Auch die unmittelbare Nähe zu den Tänzern kann die Zeitwahrnehmung der Zuschauer verändern. Erlebt man so manche Sequenzen intensiver als andere. Doch das Näher-dran-Sein im Labyrinth der sich gegenseitig beobachtenden Blicke birgt sowohl für das Publikum wie für die Tänzer Gefahren. Jeder muß seinen Schutzraum und seine Anonymität ein Stück weit verlassen, damit es zu einer Begegnung kommen kann. Daß das nicht jedem liegt, dessen ist sich Prue Lang bewußt. “Deshalb haben wir uns entschieden, daß es keinen direkten Kontakt zwischen den Tänzern und dem Publikum geben soll.”

Nach ihrer Ausbildung in Melbourne tanzte sie zunächst bei Meryl Tankards Australien Dance Theatre, bevor sie Mitte der neunziger Jahre nach Frankreich kam, um dort in renommierten Kompanien wie der Compagnie Cré-Ange und L’Esquisse zu tanzen. Doch bald schon hatte sie genug von den klischierten Rollenbildern, die im französischen Tanz nach wie vor hoch im Kurs stehen. Wie viele Geschichten, in denen sich Frauen an den Hals von Männern werfen, könne man als Frau im 21. Jahrhundert noch ertragen? Die Arbeit mit William Forsythe sei für sie nicht nur eine tänzerische, sondern auch eine intellektuelle Herausforderung. Forsythe habe ihr für ihre eigenen Arbeiten die Freiheiten gegeben, die sie brauchte. “Mach das, was du selbst gerne sehen möchtest”, sei sein Rat gewesen. Für die Abende mit Arbeiten von Ensemblemitgliedern hat sie in den vergangenen Jahren im Bockenheimer Depot schon zwei Installationen realisiert, die letzte zu Texten von Simone de Beauvoir.

Ende des Monats zeigt sie dort eine weitere ihrer Arbeiten. Die Videoinstallation “Screenplay” ist eine Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller David le Barzic und der Medienkünstlerin Cindy Lee, in der es um die Übergänge zwischen den einzelnen Phasen des künstlerischen Schaffensprozesses gehen soll. Die Videoinstallation steht im Rahmen eines dreiteiligen Tanzabends, an dem Choreographien von Jone San Martin und Fabrice Mazliah (“Remote Versions”), Nathalie Thomas (“iii”) und Ayman Harper (Bye-bye Mingusblue”) zu sehen sein werden. In den Pausen und nach der Vorstellung wird zugleich eine Filminstaliation von Arnoud Noordegraaf gezeigt. Vorstellungen von “lnfinite Temporal Series” finden am 8. und 9. März um 19.30 und 20.00 sowie um 21.00 und 21.30 Uhr statt: Der choreographische Abend ist am 27. und 28. März um 20.00 und um 21.00 Uhr im Bockenheime Depot zu sehen. (Gerald Siegmund)

30 min
6m x 4m
5 x performers

Bockenheimer Depot/ Das TAT, Frankfurt GERMANY 2002

Co-production : Ballett Frankfurt -Das TAT/ Bockenheimer Depot Frankfurt

Created for the Frankfurt Ballett, this duet examines the process inherent in one’s relationship to oneself through the reflection of what is visible. Often used as a self-development tool in dance, the continuous use of a mirror puts us into the Narcissus role of subliminal awareness and numbness in relation to the images of ourselves. The distinction between analysing the visual stimuli reflected back at oneself and analysing one’s physical expression through an inherent sensory awareness, creates a reference from which the dancer crafts his/her own art form. In this performance, a video projected onto and beyond the performers, creates a space in which the relationship to the self and the other, is in constant tension with the shifting reflection. The fluidly constructed visual layers and hypnotic physicality resonate in a powerful state of performance.

30 min
4m x 4m
2 x performers

Co-production : Ballett Frankfurt -Das TAT/ Bockenheimer Depot Frankfurt